Bendana | Pinel Art Contemporain a le plaisir de présenter « Winter Show 2 » une exposition collective rassemblant les œuvres d’artistes venant d’Europe et d’Amérique Latine dédiée à la peinture et au dessin qui s’articule autour des sujets d’actualités ou les souvenirs vécus. L’exposition cherche à créer de la tension entre les styles différents et éclectiques des artistes qui travaillent sur la corporalité, les couleurs et la recherche de la lumière afin de donner une dimension de plus à leurs travaux.
Le travail de Francisca Aninat rassemble différentes matières premières de tous les jours, collectées, l’artiste met en avant la corporalité de l'œuvre et reconsidère notre rapport à l'art. Cette œuvre double face Hummingbird descents est imprégnée de nombreux symboles. Au recto, des dessins en cire, des textes écrits et des codex brodés font allusion à un univers de pratiques ancestrales. La clé de l'interprétation est livrée par le verso de l'œuvre, sur lequel des broderies et des écrits issus de croyances mythologiques font référence à l'inconnu et aux forces extérieures, dans un voyage mental au cœur de notre inconscient.
La singularité de l’approche de Thomas Broomé est la répétition comme technique récurrente, avec lui le mot est l’image et l’image est le mot, ils sont à la fois fond et forme. Broomé est convaincu que les pièces dans lesquelles nous vivons sont nos autoportraits, non pas de ceux que nous sommes réellement, mais de ceux que nous voulons être. L'œuvre Watcher, watcher combine divers éléments architecturaux historiques et modernes de l'Hôtel de Marle à Paris, vieille de 450 ans, et les reconstruit à sa façon de manière rêveuse sous forme de « portrait ».
Voilà près de trente ans, qu'Alberto Cont explore et travaille la question de la peinture et du tableau, son travail est focalisé sur la couleur et la lumière. Ces lignes de couleur sont obtenues à partir de bandes verticales plus larges que l'artiste va recouvrir de plusieurs couches de résine. Les couches de peinture fines et translucides " voilent " littéralement la composition initiale, l'occultant plus ou moins intensément suivant la tonalité choisie. Naissent alors des perspectives aériennes ou spatiales infinies, qui transforment ses toiles en des vibrations lumineuses, dont la puissance varie selon la tonalité dominante du tableau.
Mauro Giaconi imagine, dans sa méthode du « flou », un dessin élargi, sortant du format habituel, qui influe sur l’énergie et les sens qui se dégagent d’un espace. Pour cela, il superpose et met en relation des couches de dessins aux traits décomposés, effacés, redessinés, qui ensemble constituent une nouvelle image dans laquelle chaque élément ne peut être pleinement considéré s’il est pris individuellement. Il se concentre les expériences qui créent une tension entre des concepts opposés comme la construction et la destruction ; naissance et mort ; profondeur et surface ; confinement et liberté ; rêve et réveil.
Christiane Pooley représente, de manière volontaire, dans cette série d’œuvres, des paysages indéterminés pour absorber le spectateur dans ses toiles ou bien pour qu’elle s’y projette sans y être complètement impliquée. Ces paysages réfèrent souvent à son pays d’origine, ces horizons laissent ainsi surgir une narration très ouverte, un espace de projection élargi. Pooley élabore des compositions qui mêlent différentes temporalités et, par la distance, traite également, comme en sous-couche ou dans une double surface, d’une actualité brûlante référant à tous les déracinés que le monde connaît aujourd’hui.
Dans sa dernière série, Matthias Reinmuth peint des paysages émotionnels qui reflètent le flux constant de sons et d’images qui sont diffusés par les médias, les réseaux sociaux, qui se mêlent à notre vie quotidienne. Ses toiles sont faites de couches successives de peinture à l’huile aux couleurs lavées et irisées, qui nous plongent dans un univers lyrique et onirique dans lequel les règles du temps et de l’espace sont déconstruites. La perception du spectateur devient mobile pour captiver le physique des images, et s’ouvre aux prémonitions et aux profondeurs de l’espace.
Dans ce travail, Julio Rondo reste fidèle à sa technique propre et unique de peinture acrylique sous verre. Ses œuvres, se situent entre peinture abstraite et matérialité. En utilisant des souvenirs visuels personnels, Rondo crée, sans représenter de manière mimétique son environnement, les archives d’une vie capables d’activer des sentiments, des pensées et des perceptions. Les nouvelles œuvres de Rondo ne sont pas seulement le résultat d’une intensification ou d’un développement artistique naturel, mais plutôt d’une énergie qui existe dans l’espace pictural. Le choix des couleurs transporte dans le présent les souvenirs de décennies passées qui ont été marquées par la flamboyante culture pop.
